La historia interminable

¡Bienvenidos pasajeros! Esta semana me he sentido un poco nostálgico, he visto varias películas de mi infancia, algunas de las que ya hablé antes, otras de las que quizá nunca escriba; pero tratando de decidir cuál recomendar hoy, mi mente me regresó el recuerdo de un clásico de la fantasía, que no he visto en casi veinte años, pero que tiene escenas que puedo recitar de memoria, pese a sólo haberla visto una sola vez, en la escuela.

Dirigida por Wolfgang Peterson, quien escribió el guion en conjunto con Herman Weigel; la coproducción alemana-norteamericana de 1984 fue protagonizada por Barret Oliver (Bastian Balthazar Bux), Noah Hathaway (Atreyu), Tami Stronach (Emperatriz niña), Sydney Bromley (Engywook), Patricia Hayes (Urgl), Thomas Hill (Carl Conrad Coreander), Moses Gunn (Cairon), Gerald McRaney (Padre de Bastian), Robert Easton (Morla) y Alan Oppenheimer (Falkor/Gmork/Rockbiter). Recibiendo críticas en su mayor parte positivas, fue un éxito modesto en taquilla, sobre todo en el mercado europeo, y fue el inicio de una franquicia, con su tema musical principal particularmente icónico.

Transcurriendo la historia en dos niveles diegéticos principales, la trama A sigue a Bastian, un niño víctima de bullying atravesando un proceso de duelo, quien encuentra una curiosa forma de consuelo en un misterioso libro que encuentra en una tienda. La trama B, aquella narrada por el libro, tiene como protagonista a Atreyu, el único héroe que puede salvar al mundo de Fantasía, y su emperatriz enferma, de una terrible fuerza conocida sólo como "La Nada", intercalándose y conectándose ambas tramas de formas inesperadas, sobre todo en el tercer acto (en ese apartado, antes de continuar con los aspectos positivos, me permito mencionar mi aspecto menos favorito de la cinta, que es la última escena, donde creo que la conexión entre las dos historias no fue la mejor).

Sería engañoso de mi parte continuar esta recomendación sin mencionar dos aspectos controvertidos del proceso de producción: el guion decidió sólo adaptar la primera mitad de la novela de Michael Ende, y el escritor quedó tan inconforme con el resultado que incluso demandó al estudio en un intento fallido de detener la película, o al menos que se le cambiara el nombre. Por desgracia, nunca he leído la novela de Ende, ni he visto ninguna de las secuelas (la segunda entrega, tomando muchos elementos de la segunda mitad del libro, tengo entendido), por lo que no soy el más apropiado para juzgar la fidelidad al original, pero contenida en sí misma, creo que la película puede considerarse un éxito y, me atrevería a decir, clave como antecedente del boom que tuvo la fantasía en la pantalla grande en la primera década de los 2000.

Apenas superando la hora y media, incluyendo créditos, me parece increíble que el guion pudiera balancear dos tramas distintas, dejando respirar a las secuencias clave (con un primer acto que se toma su tiempo para plantear la trama y un tercer acto que es satisfactorio al no apresurar la resolución) sin abrumar al espectador con información; por el contrario, priorizando la atmósfera y diálogo sobre la acción, un estilo directorial reflexivo, casi surrealista, que es más parecido al cine europeo que al de Hollywood. Los dos mundos en pantalla se reflejan también en la banda sonora, a cargo de Klaus Doldinger y Giorgio Moroder; que combina de forma sorprendentemente orgánica una orquestación clásica con elementos de influencia jazz y techno-pop. La dirección, en esa misma línea, es anómala, renunciando a estructuras convencionales en favor de construir secuencias oníricas para la trama en Fantasía, lo que logra con un buen equilibrio entre locaciones reales y sets con fondos pintados a mano, realzados estos últimos por una paleta de colores que convierte a muchas tomas en pinturas expresionistas, dando a cada nueva región del mundo mágico una identidad visual única.

La mayoría de los personajes secundarios tienen poco más de un par de secuencias para dejar una marca, y la mayoría lo logra gracias a una combinación del diseño visual y el carisma en la interpretación; pero el peso de la trama lo cargan tres actores infantiles, que muestran una versatilidad y rango actoral sorprendente para sus edades: Barret Oliver es un excelente vehículo de la audiencia e hilo conductor de la trama y Tami Stronach es más efectiva de lo que se le da crédito como un personaje que debe transmitir atemporalidad, sin edad definida pero es Noah Hathaway quien da la interpretación más impresionante como Atreyu, pues no sólo logra capturar el carisma que se le exige al arquetipo del héroe aventurero, sino que debe interpretar escenas dramáticas muy fuertes y conversaciones elevadas. Finalmente, en el ramo de las actuaciones, es necesario darle crédito al excelente trabajo vocal de Alan Oppenheimer como cuatro personajes totalmente distintos, y aunque el dragón Falkor es probablemente el más icónico, el malvado licántropo Gmork fue el que dejó la impresión más fuerte en mí, su confrontación final con Atreyu mi escena favorita de la película, pues logró dejarme completamente aterrado y hacerme reflexionar a la vez, uno de los primeros acercamientos que recuerdo a la filosofía.

Como mencioné un par de párrafos atrás, pese a sólo haberla visto una vez puedo recitar de memoria más de un pasaje, y es que la película está muy bien construida como aventura, con el elemento contrarreloj, las locaciones extraordinarias y el sentido épico del viaje, a lo que se suma una resolución que agrega un nivel adicional de diégesis, resignifica el sentido del título y constituye uno de los pocos ejemplos exitosos que me vienen a la mente de cine inmersivo. El diseño de las criaturas es icónico, y la manera de traerlas a la vida con una combinación de marionetas y animatrónica ha permitido que los efectos especiales envejecieran sorprendentemente bien. Si bien el desarrollo temático es en apariencia muy simple, siendo su eje principal el poder inigualable de la imaginación y la importancia de preservar la creatividad; su ejecución no apela al mínimo común denominador, sino que busca involucrar al espectador en discusiones con aspiraciones y ambiciones más elevadas; de hecho, pese a que la vi por primera vez siendo niño me resisto a llamarla una película infantil, quizá ni siquiera familiar, pues creo que muchos de los diálogos resonarán más con adultos, con muertes, pesar explícito y una secuencia (todos los que han visto de la película sabrán al instante a cual me refiero) que me traumó muchos años antes de comprender que era una metáfora de los terribles efectos de la depresión.

Muchos de ustedes sabrán que la forma de pensamiento que más detesto es el nihilismo, y no hay película que me moleste más que aquellas que privan al viaje de los personajes de cualquier propósito; y quizá es por eso que en ocasiones me sorprendo volviendo a pensar en esta película, y la razón por la que "La nada", pese a no tener rostro, ni voz; me parece el mejor villano del cine de fantasía, pues como metáfora del nihilismo es aterrador e imponente; y para mí, un recordatorio de mi mayor miedo: nunca he temido a la muerte en sí misma, sino al riesgo del vacío y la negrura, el desvanecerse sin dejar siquiera una huella tras de sí. En mi opinión, no existe destino peor que el que amenaza a los habitantes de Fantasía, y por eso su tesis central, una de mantener la esperanza por adverso que sea el futuro, de seguir creando y soñando incluso en los momentos de mayor oscuridad, es uno de vital importancia, para mí y para el mundo.

Hasta el próximo encuentro...

Navegante del Clío